Críticas

“…una imagen, una alegoría, una figura que ocultan lo que quisieran revelar significan más para el espíritu que las claridades de los análisis de la palabra” (Antonin Artaud)

Mizoguchi y la experiencia japonesa

Por Sofía Brucco
Mizoguchi conforma a nivel estético algo íntimamente ligado a un trazo. En las sutilezas, en los bordes, en las puntillas. Las hojas negras que rodean un plano, la circularidad de las ondas en el agua, el viento que hace mover las cortaderas. La composición de un haiku.

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De frente, mal

Por Bruno Glas
El filme de Craig Zobel tuvo en su momento una recepción más bien negativa. Su estreno coincidió, además, con el cierre de los cines a causa de la pandemia. Este texto pretende rescatar y revalorizar a una película injustamente menospreciada.

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Greco, un recorrido posible

Por Francisca Ranieri
Crónica sobre la exhibición en el Moderno “Alberto Greco: ¡Qué grande sos!”. ¿Cómo hablar del trabajo del espectador? ¿De qué modos es posible acceder al museo? Un intento por comprender los límites entre artista, obra, vida, muestra. La curaduría como un gesto que traspasa las paredes de una sala.

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Acerca de los dispositivos y la urgencia

Por Lucía Requejo
Dispositivo III es el tercero de una serie de obras que existen por y para la urgencia. Durante el aislamiento, nuestros cuerpos se vieron delimitados por un espacio tanto físico como simbólico, y esa es la urgencia que, me atrevo a decir, los autores de la obra entienden por tal: ¿cuál fue o es la forma más rápida y fácil de estar juntxs? La respuesta está en el título: generar archivo. Sin embargo, la pregunta que le subyace es, ¿cuáles son los límites de los artefactos que utilizamos para generar archivo?

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La casa que chorreaba sangre

Por Melina Mendoza
El lugar habitado puede ser, según Bachelard, un espacio para la ensoñación, en la medida en que se disputa allí la posibilidad de que aspectos simbólicos como la memoria, el pensamiento y la imaginación adquieran una materialidad, un cuerpo, “un rincón en el mundo”. Subrayo “ensoñación”: en esta potencia para la fantasía, en la construcción de una temporalidad y una lógica propia, también se gesta la pesadilla. Si la casa presenta un modo de organización de la vida, en la amenaza de subversión de esta estabilidad se ubica lo siniestro. No obstante, ¿qué otros efectos despierta esta figura? ¿Puede pensarse al orden mismo como monstruosidad? Y, si así fuera, ¿imaginar nuevos vínculos con los territorios?

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Un chamanismo cuántico

Por Julia González Narvarte
Los viajes en el tiempo y las posibilidades de habitar mundos paralelos y alternativos han seducido —y sacudido— nuestro imaginario desde tiempos remotos. Fue la física teórica de finales del siglo XIX en adelante la que precipitó esta fantasía como una alternativa factible, así fuera solo en términos teóricos. El cine, las series y la literatura se han alimentado de este topos durante décadas, y el género de la ciencia ficción encuentra allí una fuente inagotable de imaginación y posibilidades. Como siempre en la historia, los descubrimientos científicos reverberan en formas del imaginario, dialogan y se entrecruzan con las demás tramas sociales. Las producciones simbólicas dan cuerpo y cognoscibilidad al paradigma epistémico/científico de una época.

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El gesto alegre de la traición

Por Virginia Duerto
La mirada atenta a lecturas y films construidos desde lo íntimo y lo vital tiene la potencia de reponer los diálogos accidentales y susurrados que se tejen entre autorxs que, aun perteneciendo a distintas historias y geografías, funden sus obras en torno a un núcleo compartido. Así es que el film Tengo miedo, torero (2001) me devuelve la imagen del encuentro entre Manuel Puig y Pedro Lemebel, figuras inflexivas para repensar hoy la apuesta crítica de las estéticas populares y desviadas.

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Bolsas mortuorias y la precarización de la performance

El último sábado de febrero la performance irrumpió con fuerza en el perímetro de la Casa Rosada. Las bolsas mortuorias desplegadas en medio de la marcha opositora despertaron la bestia crítica del progresismo llamándola “inaudito” y “acto de barbarie”. Muchos salieron a impugnar la simbología de los cadáveres amontonados, pero una rápida constatación nos muestra que no está ahí el problema, al nivel del símbolo mismo sino en la semántica de ese símbolo.

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Revisitar la zona: Tarkovski y la poesía

Por Lucía Montoro
En el abanico filmográfico de Andrei Tarkovski, Stalker (1979) es considerada por la mayoría de la crítica y las descripciones generales como una película de ciencia ficción. El hecho de que esté basada en el libro Picnic extraterrestre (Boris y Arkadi Strugatsky, 1972) puede alimentar esta idea, aunque es el propio director quien niega que la misma pertenezca al género. Pero ¿qué es eso que intuitiva o sensiblemente –y a pesar de todo- nos hace relacionar, de la forma que sea, el mundo y el terreno de la ciencia ficción con una película como Stalker?

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Paris, Texas: el corazón de la distancia

Por Milena Rivas
“Toda esta galaxia, todo el universo estaba comprimido en un pequeño punto de este tamaño. ¿Y sabes qué ocurrió? Hizo así y estalló. Todo salió volando, por todos lados, y formó el espacio.” Hunter, un niño curioso y elocuente, le describe a su padre Travis esta escena primigenia mientras viajan hacia Houston en búsqueda de Jane, su madre. Carreteras y espejos mediante, Wim Wenders ensaya algunas imágenes de la distancia.

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Dos Navidades, una película: Rocky de Stallone

Por Francisca Ranieri
Las referencias alrededor de la figura de Rocky Balboa abundan en la cultura popular, pero pocas advierten sobre lo adorable que es este personaje. Una película de bajo presupuesto y pocas pretensiones que se convirtió en un clásico indiscutible. Gracias al emblemático Italian Stallion parece posible descubrir una idea sobre el éxito que se acerca más a la victoria amorosa que a sumar los puntos necesarios para ganar una pelea.

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De “White horse” a la Casa Blanca

Por Ofelia Meza
Taylor Swift era la childstar que lo había logrado. Su imagen de niña buena le aseguró la fidelidad de sus seguidores adolescentes en su transición a artista adulta. Pero, ¿qué sucede cuando la niña buena se cansa de jugar a la casita y decide jugar a la política?

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La saga Alien: Embarazos no deseados, violadores y aborto

Por Alan Chialva
Siempre me pareció una obra poderosa, desde que la vi de pequeño. Cuando la volví a ver de grande la sentí cercana, tardé poco en darme cuenta el porqué. Es contemporánea porque aparecen categorías de género trabajadas en la actualidad. Además, hay algo en la cinta que llama la atención, como si la gente pudiera intuir el grado de sexualidad inconscientemente.

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Un lugar para guarecerse

Por Sofía Brucco
Producida por la cada vez más popular “A24 films” y dirigida por Kelly Reichardt (también directora de Wendy y Lucy, Night Moves y Certain Women), First Cow es una película sobre la amistad. Desde un lugar lejos de ser obvio y trillado, Reichardt se propone narrar algo de la elección, la lealtad, la solidaridad y el intercambio. First Cow es un elogio de una amistad. Así nos dicen, desde la sabiduría del epígrafe, los primeros segundos de la película con una cita de William Blake: El ave un nido, la araña una red, el hombre amistad.

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Contra la estetización del horror

Por Luz Barcalá
En 2015 Nemes estrena El hijo de Saul y, casi sin proponérselo, continúa esa polémica tan presente en el ámbito intelectual, a partir de la posguerra, sobre la ética de la representación estética del horror. En este mismo acto, el director da cuenta de la imposibilidad de clausurar la reflexión sobre el acontecimiento histórico más salvaje y, paradójicamente o no, más meticulosamente planificado por el Estado, que fue el Holocausto.

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La alegría de Varda para la acción política

Por Mili Villar
En las últimas semanas de 1962 Agnès Varda llegó a Cuba. En los últimos años se había convertido en uno de los países más visitados por los y las jóvenes militantes y artistas de izquierda de todo el mundo. Desde Francia habían llegado a la isla personajes como Jean Paul Sartre, Simone de Beauvoir, y cineastas como Chris Marker. Durante el tiempo que Varda estuvo ahí, la joven cineasta recorrió Cuba con su cámara Leica y fotografió su viaje, volvió con 4000 negativos. De estas imágenes reveló 1500 y realizó una película llamada Saludos, Cubanos! (1963).

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Las habilidades de Villanueva y Leber

Por Lucas Martinelli y Belén Coluccio
En una galería de Villa Crespo, Leber y Villanueva despliegan piezas que configuran un ambiente inmersivo. Sostenido por una música interestelar, nos recuerda a los cuartos de infancia y sus cielorrasos con estrellas fosforescentes. Igual que las pegatinas, las piezas “están cargadas” por energías prestadas: las obras del museo Rosa Galisteo.

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Girls: De millenials con derechos

Por Mili Villar
Mucho se habla sobre lxs “millenials”, esta generación nacida entre los 80 y los 90, quienes se encontraron como adolescentes en el medio de un enorme cambio de paradigma tecnológico y una nueva versión del capitalismo financiero más salvaje que nunca. Se dice de esta generación que se sienten entitled, lo que traduciríamos por “con derecho a”. ¿Qué significa que una generación se sienta con derecho a?

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La felicidad: amor y prescindencia

Por Sofía Brucco
Leí alguna vez que Agnes Varda dijo, en relación a Le Bonheur, que se trataba de árboles. De otras cosas también, pero sobre todo de árboles, porque los hombres se comportan como árboles. Igual que en esa definición, la directora presta su agudeza y lucidez en esta película de 1965; siguiendo su ya emblemática línea estética, de un estallido cromático conmovedor, Le Bonheur presenta lo más problemático de la narrativa de la “familia feliz” y el “amor libre”.

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Herzog y la recuperación del gesto

Por Lucía Requejo
La empresa de Yuichi Ishii (también protagonista del film) obtiene su ganancia de la falencia que como sociedad hemos transitado siempre: la soledad. Herzog se vale de una premisa freudiana para trazar una reflexión acerca de las posibilidades de ser con otros, pero también de qué es lo que nos conecta con nuestra propia autenticidad.

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Arroz con leche

Por Julia González Narvarte
Según la antigua mitología griega, las moiras, Cloto, Láquesis y Átropos, fueron las primeras hilanderas, encargadas de llevar los hilos de la vida de los mortales. Cada quien podía elegir entre llevar una vida de música, amor, riqueza, devoción… pero una vez tomada esa decisión, no había vuelta atrás: a partir de allí, las moiras tejían una capa alrededor del alma para hacer cumplir el curso del inexorable destino.

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Ema: una postal contemporánea

Por Bernarda Indart
Dirigida por Pablo Larraín, Ema (2019) es una postal de la juventud chilena contemporánea. La mujer y el feminismo aparecen en este contexto bajo la metáfora del fuego juvenil que quema lo que tiene a su alrededor para construir nuevos “modos de vida”. Sin embargo, asistimos a discursos e imágenes que subrayan un feminismo que solo aggiorna la puesta en escena del aquí y ahora.

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La insoportable incomodidad de lxs supermocosxs

Por Sofía Checchi
Brat Pack es un cómic que quedó soslayado en la historia, un poco por perverso, otro poco por asqueroso, pero fundamentalmente por polémico: materializó el lado oscuro de los superhéroes y puso el acento en sus acompañantes, sus niñxs amigxs. ¿Hasta qué punto se pueden “hacer carne” las habladurías de nuestrxs justicierxs ficcionales?

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La trilogía de las brasas: Edgardo Castro

Por Lucas Martinelli
Al ver la trilogía de Castro como una totalidad se abre un panorama que traza una línea que va desde lo individual y personal a lo múltiple y social. Entre un filme y otro, el cuerpo del actor, también metteur en scène, se corre para dar lugar al Otro. Parecería que Edgar no tendrá que abjurar, por proponer una serie de escenas del borde sobre la sexualidad y el goce de los cuerpos que construyen un contrapelo de la forma en la que la cultura visual nos muestra habitualmente las facetas del mundo. ¿Qué veo de potente en estas tres películas? ¿Qué placer me produjo el haberme sentido escandalizado y excitado?

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The wire: esbozo de una ironía futura

Por Tomás Sabio.
La serie creada por David Simon es una apabullante disección de los dispositivos de una ciudad postindustrial norteamericana. Aquí la ironía, como tropo de la reflexión y la autoconciencia, ocupa el lugar central para pensar tanto el análisis de las distintas carcasas institucionales como las ingenuidades que, como espectadores atentos, podemos a su vez ironizar. La escuela o la policía son objeto de sofisticada ironía, mientras la masculinidad queda expresada apenas como fogonazo tangencial.

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Bojack Horseman: por una estética del fracaso

Por Julia González Narvarte
Desde las nociones de fracaso e hibridez, Bojack Horseman nos invita no sólo a ponernos la lente del perdedor, a ver “desde abajo” y desobedecer las leyes de la cultura del éxito, sino también a cuestionar los rígidos mapas genómicos explorando las posibilidades de lo transbiológico.

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Mujercitas: El adiós a las medias estaciones

Por Ofelia Meza
Mujercitas (2019), dirigida por Greta Gerwig, nos devuelve la querida historia de las hermanas March desde una mirada propia. La invitación de la película pareciera ser a sumergirnos en el diálogo de un tiempo cinematográfico entre nostálgico y melancólico, a partir de una construcción atmosférica sensible y tangible

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El extranjero al afecto

Por Mili Villar
Joker (2019), dirigida por Todd Phillips, es una película que elige mostrar otra máscara del mítico payaso asesino antagonista de Batman. Este film nos muestra la génesis de este personaje siniestro como producto de circunstancias personales y sociales ligadas a la desigualdad y al abandono estatal. Arthur Fleck es el nombre de nuestro personaje antes de tomar su identidad de villano, y como simple mortal es un ser con problemas psiquiátricos graves tratando de subsistir en una ciudad gris, contaminada y llena de basura. A este contexto de tensión Arthur se opone a través de la danza que lo acerca a afectos felices.

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Elle: la víctima inmoral

Por Luz Barcala
¿Qué pasa cuando una mujer supera una violación? ¿Cuando no encaja en el estereotipo de víctima? ¿Cuando disfruta y no sufre? El director holandés Paul Verhoeven indaga sobre estas cuestiones en Elle (2016), retomando el subgénero rape and revenge (violación y venganza) proveniente del Exploitation film de los ‘70 -un cine de bajo presupuesto que abordaba temáticas escabrosas y tabúes para la gran industria- pero trascendiéndolo con el objetivo de rever las concepciones y expectativas, tanto sociales como culturales, que se tienen sobre el lugar de la víctima y su forma de reaccionar ante una violación, poniendo en duda los límites de la moralidad y la construcción de estereotipos.

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Total interferencia

Por Milena Rivas y Francisca Custodio
Una atmósfera fragmentada, trunca, desamparada, rodea los cuerpos de tres mujeres. ¿Cómo vincularse en un espacio que no contiene sino que deja a merced de una comunicación tensa y vulnerada?

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De desiertos y bosques

Por Micaela Paré
Los aislamientos e individualidades de los modos en que vivimos actualmente nos incapacitan, nos quitan fuerza, nos roban poder. El capitalismo para aumentar su producción tiende a acelerar el tiempo, éste debe ser cada vez más veloz. El film Dos días, una noche (2014), dirigido por los hermanos Luc y Jean-Pierre Dardenne, ilustra esta dinámica desde el título.

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Asuka(r) amargo

Por Sofía Checchi
En un anime tan canónico como Neon Genesis Evangelion, ¿es posible (re)leer la construcción de la feminidad? ¿Una construcción? ¿Cuántas feminidades?

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Las margaritas: unas ensaladitas pisoteadas

Por Julia González Narvarte
En el año 1966, luego de años de hegemonía de la estética del realismo socialista en la URSS, una de las películas checas más reconocidas mundialmente salió a la luz. Se trata de Las margaritas (también conocida como Locas margaritas), de la directora Vera Chytilova. En este film, al que podremos enmarcar dentro de las producciones del Cine moderno/Nuevas Olas de Europa del Este, la directora plantea un profundo cuestionamiento desde el aspecto formal de la realización cinematográfica que se transforma, a su vez, en una crítica a la narración y al discurso en tanto dispositivo de poder. 

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El dolor inherente a la gloria

Por Catalina Ardiles
Almodóvar cierra suavemente los relatos de un viaje en el que la vida y el cine han sido siempre uno y el mismo, los cuales se irrigan mutuamente.  La historia de una vida, el tiempo de un recuerdo, el tiempo de una película.

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Re:cursión: Reapropiando el deseo

Por Francisca Pérez Lence
La pospornografía muestra, reapropiándose de los dispositivos patriarcales y hegemónicos, maneras-otras de desear, de ser deseadx, otras prácticas, otrxs cuerpxs. Permite el posicionamiento de sujetos que han estado relegadxs en los márgenes de la visualidad.

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Una fragilidad compartida

Por Milena Rivas
Giuliana se encuentra en estado de shock. Habita el espacio de una manera extraña: se arrastra, se pega a las paredes, se acerca compulsivamente a las esquinas. ¿Qué afectos se ponen en movimiento cuando el accionar de unx protagonista nos devela nuestro

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El goce felino

Por Ofelia Meza
Batman Returns puso en escena a LA gatúbela. Escandalizó a McDonald´s y a los padres por su representación de una mujer-gato que goza de su sexualidad y de la destrucción de esquemas de representación femenina en pantalla.

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El angel queer que queremos consumir

Por Mili Villar
Rocketman (2019), la película biográfica de Elton John, nos muestra a este ícono musical de los años 70 y 80 como un ángel queer caído en desgracia por sus vicios y su difícil y estereotipado camino para levantarse. ¿Qué nos cuenta este film de nuestros consumos? ¿Qué nos quiere vender?

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